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Autor Tema: Músicos latinos que han abierto puertas - Rafael Méndez  (Leído 6139 veces)
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« en: Diciembre 15, 2011, 12:39:12 pm »

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Rafael Méndez

26 de marzo de 1906 – 15 de septiembre de 1981

Méndez fue legendario por su tono, alcance de notas y técnica. Su forma de tocar fue caracterizada con tonos vibrantes, amplio vibrato y articulaciones rápidas y limpias. Su repertorio fue una mezcla de música clásica, popular, jazz y música mexicana y mariachi.

 

Nace en Jiquilpán, México el 26 de marzo de 1906. Rafael fue el cuarto de quince hijos. Su padre Maximino era maestro de violín, mandolina y trabajaba como músico en fiestas de clase social alta.En 1911 comienza a tocar corneta. Por su estatura era único instrumento que podía tocar. Ese mismo año el padre, Maximino, funda una orquesta con algunos de sus hijos.

En el 1916 Pancho Villa los contrató como su orquesta personal.

Se dice que en tiempo de guerra la orquesta tocaba todos los días a las cinco de la tarde y se hacía una tregua. Luego de esto continuaba la guerra. A Pancho Villa le gustaba mucho como el pequeño Rafaél tocaba la corneta y era su cornetista oficial. Su corneta estaba pegada con miel de abejas y un día Villa le pidió que tocara bajo el sol. La miel de abejas se derritio y la corneta se despegó. A Villa le molestó y rompió la corneta contra el piso. Cuando se le pasó la cólera le regaló la mejor corneta que se podía conseguir en México. Luego de seis meses Pancho Villa lo pone en un pelotón de fusilamiento y luego lo escolta hasta cerca de su casa. Su padre no quería que siguiera con la corneta porque pensaba que podía desarrollar tuberculosis y se la escondía pero siempre la encontraba.

En 1918 deja el grupo de sus hermanos y comienza a trabajar como músico en diferentes circos. En el 1920 regresa a Jiquilpán a la Orquesta de su padre. En 1921 se une al ejército. En 1926 se muda a Gary, Indiana, Estados Unidos. Comienza a trabajar en minas de acero en turnos de doce horas.

Buscando una mejor oportunidad en la música se muda a Flint, Michigan y trabaja en una fábrica de Buick (1926). Un día fue a ver la orquesta de esta fábrica y como su inglés era malísimo, señaló la trompeta para decir que la podía tocar. Le dieron la trompeta y le pusieron una de las marchas más difíciles. La tocó sin problemas. Comenzó a trabajar como músico a tiempo completo. Luego tomó dinero prestado y se fue a Detroit. Sin trabajo vendió la trompeta para comprarse un abrigo. Ganaba sólo para comer tocando guitarra(1927).

Un día paso por una tienda de instrumentos musicales y a insistencias del dueño probó una trompeta. Russ Morgan director de la orquesta del teatro Capitol lo escuchó y lo contrató como trompetista solista por 125 dólares semanales. También trabajó con la orquesta del teatro Fox, orquestas alemanas y latinas. Comenzó a ganar suficiente dinero para enviar a su familia en México. Compró un Cadillac y un La Salle.

El 9 de octubre de 1930 se casó con Ann Amor Rodríguez Fernández. En 1932 en el teatro Fox fue golpeado accidentalmente con una puerta en la cara. El impacto le rompió parte del labio superior. Aún así tocó esa noche. Reusó dejar de tocar. El no parar de tocar afectó su ejecución. Ni los mejores maestros ni médicos pudieron ayudarlo. Entre los maestros estaban Herbert Clarke y Walter Smith. Fue a México a tratarse con un médico. Él le quitaría la infección pero luego no puede tocar. Por recomendación de su señora madre le pide ayuda a su padre. Éste le ayuda con condiciones. Luego de varias semanas consigue hacer un sonido en la trompeta. A los dos meses podía tocar todo lo que tocaba antes del accidente. Decide regresar a Estados Unidos. Aún no estaba listo y el maestro Louis Maggio le dice que no lo podía ayudar. A él contó lo sucedido y éste le recomendó que volviera con su padre. Regresa a México y luego de dos meses más regresa con Maggio. Éste le dijo que tenía el sonido mejor que antes del accidente.

En el 1933 regresa a Detroit y trabaja con la orquesta del teatro Michigan. En 1934 en una feria mundial aprende la técnica de respiración circular. Ese mismo año comienza a trabajar con Rudy Valle por 350 dólares semanales. En el año 1937 nacen sus gemelos Rafael y Robert. Fueron sus únicos hijos. En el 1938 se muda a Los Ángeles y comienza a trabajar con la Mutual Broadcasting System Orchestra. Firma un contrato con la MGM en 1939.

Se hace ciudadano estadounidense en 1940. Firma un contrato con Peleayz Records. Siempre decía que quería poner la trompeta en el lugar del violín, un instrumento solista en la orquesta. Decía que la trompeta podía hacer lo que cualquier violín. Comienza a preparar transcripciones de piezas de violín para trompeta. En 1945 firmó un contrato con Decca Records. Todos los discos los tocó como solista. Durante ese tiempo y el 1950 trabajó en muchísimas grabaciones y transmisiones radiales. En 1950 comienza su carrera como solista de orquesta sinfónica Su carrera duró hasta 1975 con un grán exito cada vez mayor.

En 1950 firmó un contrato con Olds para usar esa trompeta por $6,000.00 anuales. Pasaba todo el año de gira y los veranos en campamentos y dando clínicas y clases. Por las noches tocaba conciertos con las bandas de la clínica.

En 1956 comenzaron los ataques de asma severos. Comenzó a cancelar conciertos por problemas respiratorios. En el 1962 se le diagnosticó bronquitis y asma. Se ofreció terapia con esteroides pero la rechazó. Uno de los ataques casi le causa la muerte.

Para el 1964 el deterioro de su salud ocasionó que cambiara su estilo de vida. Luego de esto aceptó la terapia de esteroides. Ese mismo año decide retirarse de concertista. En 1966 regresa como concertista y su mayor motivación era terminar el contrato que tenía con Decca. Le dice a los directivos que no puede terminar el contrato por sus problemas de salud. Ellos le proponen grabar usando una técnica nueva de multi-track que le permite grabar separadamente del resto del acompañamiento. De esta forma grabó los discos “Together con Almeida y Concerto for Mendez”. En 1967 fue a España y usando músicos de la sinfónica de Madrid grabó varios discos en diez días.

Ese mismo año sufre otro accidente en México. Le dan un batazo en la cara que le produce tres fracturas y le tumba cinco dientes. Él había donado los uniformes para ese equipo de pelota de niños. Luego de un año regresa a tocar pero sus compromisos bajaron e 125 al año a 25 o 30. Luego de 1968 tocaba en público muy poco y lo hacía con una banda local y tocaba en las últimas sillas.

El 15 de septiembre de 1981 murió en su hogar. Las posibles causas de la muerte fueron arritmia cardíaca o derrame cerebral.

Póstumamente se le dedicó una estrella en el paseo de los inmortales de Hollywood. En 1993, la Universidad del Estado de Arizona (Arizona State University), de los Estados Unidos, estableció el edificio de música en donde se encuentra la Biblioteca de Rafael Méndez.

 

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Fuente: http://www.musinetwork.com/noticias/2011/12/12/musicos-hispanos-rafael-mendez/

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« + Respuesta + #1 en: Diciembre 20, 2011, 10:35:34 am »

 


Luciano Pozo Gonzales, más conocido como Chano Pozo


La Habana, Cuba, 7 de enero de 1915 – Nueva York, 3 de diciembre de 1948, percusionista cubano de jazz y jazz latino.


Chano Pozo nació en La Habana el 7 de enero de 1915, y desde pequeño vivió en carne propia el rigor de la discriminación racial en la Cuba anterior a la de Fidel Castro. Limpió zapatos y vendió periódicos, tocó música en muchos lugares y hasta bailó en la conocida comparsa habanera de "Los Dandy". Fue calificado por el etnólogo e investigador de la cultura afrocubana Don Fernando Ortiz como un revolucionario musical por su influjo directo, inmediato y eléctrico. Su pertenencia a la Sociedad Secreta Abakuá, explica el dominio perfecto que tuvo de los tambores propios del rito. En el libro ¡Caliente! del investigador belga, Luc Delannoy se señala que cuando Chano vivía en La Habana, tenía costumbre de tocar ritmos sagrados en sus congas, así como de cantar temas abakuás y yorubás.

Chano Pozo era hermano del famoso trompetista Félix Chapotín, admirador de Rita Montaner, e imán de las transmisiones públicas de la estación de Radio Cadena Azul. En la década de los cuarenta, Chano Pozo, inyectó al jazz norteamericano de una nueva y vigorosa energía, gracias a la visión del músico Mario Bauzá. Trabajó junto a figuras de la talla de Charlie Parker y Dizzy Gillespie, siendo con Dizzy cuando popularizó el conocido tema de "Manteca".

La fulgurante carrera de Chano Pozo, en Estados Unidos comenzó en 1942, cuando abandonó la Orquesta de Machito, para unirse en Chicago al conjunto de los "Jack Cole Dancers". "Manteca" se dio a conocer en el mundo del jazz en 1947, durante la presentación de una bigband a nombre de Pozo y Gillespie. En aquel concierto intervinieron otras dos glorias del Jazz mundial, el pianista John Lewis, quien fundaría luego el Modern Jazz Quartet, y el baterista Kenny Clarke, uno de los padres del Bebop. En "Caliente", otra de las grandes composiciones de Chano Pozo,  Delannoy recuerda que el estilo de Chano llevó gradualmente a Gillespie a correr cada vez más riesgos musicales, lo cual desembocó en una fusión perfecta: la de un genio de la armonía del Jazz con un genio de los ritmos afrocubanos.

En el mismo año de su llegada a New York, Chano Pozo, abrió un club latino en el Palladium que se llamó como una canción suya, "Blen Blem", tema que ha sido usado en varios textos literarios y musicales de Guillermo Cabrera Infante. Fue la opinión y la influencia de Mario Bauzá, la que inclinó a Dizzy Gillespie a contratar a Chano Pozo, con lo que se logró uno de los momentos estelares en la historia del jazz latino. Miguelito Valdés, en Nueva York, y Rita Montaner, en La Habana, le dieron impulso para que continuara en EE.UU. su carrera de compositor, tamborero, cantante y bailarín de rumba, pero repentinamente y en medio de un gran misterio se da a conocer el fallecimiento del percusionista.

 

Hay varias versiones de como ocurrió, pero lo seguro es que Chano Pozo no pudo actuar la noche del 3 de diciembre de 1948 junto a Mario Bauzá y Miguelito Valdés. Leonardo Padura llamó a Bauzá para comunicarle el asesinato de Chano Pozo en Lenox, entre las calles 111 y la 112. Sea como ocurriese, lo cierto es que Chano Pozo, a pesar de su juventud, está en la historia del jazz latino por meritos propios y de su estilo como percusionista, han bebido varias generaciones de músicos cubanos como, Angá, Tata Güines, o Patato Valdés.


<a href="http://www.youtube.com/v/-KxtCxStjY8" target="_blank">http://www.youtube.com/v/-KxtCxStjY8</a>



Fuente: http://www.musinetwork.com/noticias/2011/12/19/musicos-hispanos-que-han-abierto-puertas-chano-pozo/



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« + Respuesta + #2 en: Diciembre 26, 2011, 09:31:03 pm »



"Hubo una pausa en el tiempo, cesou todo mi pensamiento, y una flor, ya que también pasa con el amor.
Así que ocurrió y fue tan de repente que había visto la cabeza de un solo corazón...
" - Tom Jobim



El 8 de Diciembre de 1994, fallecía Antonio Carlos Jobim en el Hospital Monte Sinai de Nueva York. Con él moría la esencia y el motor de la música popular brasileña desde mediados de los años 50. Moría el padre de la bossa nova y de todo lo que vino después. La conmoción en el mundo musical es difícilmente descriptible. En Brasil se declaraban tres días de luto oficial. Las declaraciones y manifestaciones de condolencia se sucedía a centenares. No en vano este personaje más o menos desconocido para la mayor parte de la gente, había compuesto durante su vida, cientos de canciones, bandas sonoras de películas y piezas orquestales. Algunas de sus composiciones como Garota de Ipanema es una de las más versionada e interpretada de toda la historia de la música.

Su prestigio era tal que en 1989  recibió la Legion de Honor de la República Francesa que fué solo un galardón entre decenas mas, como los nombramientos como doctor honoris causa por las universidades de Lisboa y de Rio de Janeiro.

Repentinamente, el mundo artístico, parecía descubrir la grandeza de este músico cuyas melodías habian estado influenciado toda la música ligera y muy especialmente el Jazz desde los años 60 y había sido el padre artístico para toda una generación de músico brasileños cuya importancia y trascendencia es hoy indiscutible y entre los que se puede citar a Chico Buarque, Edu Lobo, Milton Nascimento, Caetano Veloso, Dyvan, Gilberto Gil, Ivan Lins y otros muchos.

 

SU CARRERA

¿Quién era ese desconocido tan admirado?

Antonio Carlos Carlos Brasileiro de Almeida Jobim, nació en Río de Janeiro en el año de 1927. De muy joven se traslada con su familia a vivir a Ipanema, entonces una playa deshabitada de Río, y comienza sus estudios de música y piano. A mediados de los años 50 participa en el movimiento de la bossa nova, que entonces comienza a surgir en la ciudad de Río, junto con músicos como Joao Gilberto, Menescal, Carlos Lyra y Johnny Alf entre otros. El movimiento se desarrolla principalmente en los clubes de la playa de Copacabana, entre jóvenes músicos fascinados por el Jazz americano y que consiguen encontrar una fórmula intermedia entre la samba brasileña y los ritmos y melodías afro-americanas. Pronto Jobim se convierte en el lider musical de la bossa nova y el poeta y diplomático.  Vinicius de Moraes se transforma en el padre espiritual y artístico de este fenómeno musical.

Precisamente con Vinicius de Moraes, genial poeta, Jobim realiza una de sus más fructíferas colaboraciones que pasa a la historia por la ya mítica Garota de Ipanema que ambos componen y que comienza con la musicalización de la obra teatral Orfeu da Conceiçao de la que era autor el poeta. En la rua Nascimento e Silva 107 de Rio de Janeiro, domicilio de Jobim en aquella época, se escribe la historia de la música brasileña.

A comienzos de la década de los 60, la bossa nova atraviesa las fronteras de Brasil y se internacionaliza. Especialmente importante es la repercusión que el movimiento tiene en Estados Unidos, donde músicos como Stan Getz, contribuyen a popularizarlo. De este modo, Jobim viaja a Norteamérica y allí graba uno de sus más interesantes álbumes, con arreglos de Deodato, Nelson Riddle y sobre todo de Claus Ogerman, que más tarde se convierte en el arreglista favorito de Jobim. "Wave", "Tide" y "Stone Flower", son algunos de los álbumes inolvidables de este período.

En la década de los 70, coincidiendo con la decadencia del movimiento bossa nova, Jobim comienza a desarrollar un nuevo estilo musical. Abandonando los rígidos límites de la Bossa, ya explotados hasta la saciedad, comienza a crear una música mas ecléctica y difícilmente clasificable. Por un lado y sin abandonar las melodías románticas que le hicieron famoso en todo el mundo, compone piezas con profundas raices populares brasileñas, interesándose cada vez más por temas relacionados con la naturaleza y la ecología. Por otro lado, podemos encontrar en este época piezas instrumentales orquestales realmente ambiciosas e interesantes como su "Saudade do Brasil". Su música amplía horizontes y se vuelve universal; los discos mas representativos de esta fase de su carrera, son "Matita Pere" y "Urubu". El álbum doble "Terra Brasilis" grabado en 1980, puede considerarse como su despedida del periodo americano. En ese mismo año fallece Vinicius de Moraes.

De regreso a Brasil, Jobim forma en 1984 la "Nova Banda", con miembros de su propia familia con la que graba magníficos trabajos como "Passarim", "Inédito" y su último disco "Antonio Brasileiro" que contiene su manifiesto ecológico "forever green".

Afectado por serios problemas de salud, Jobim fallece en el transcurso de un postoperatorio en el hospital  Monte Sinai de Nueva York. En el Cementerio de San Juan Bautista de Botafogo y con el rostro vuelto hacia los brazos abiertos de Cristo Redentor, descansa para siempre.
 

SU LEGADO

La belleza y originalidad de la música de Jobim, le hizo acreedor del reconocimiento de músicos de todo el mundo durante varias décadas: Desde Sinatra en la década de los 60 con el que grabo dos magníficos discos, hasta el cantante británico Sting, que intervino en la última grabación del maestro, interpretando a su lado el clásico "Insensatez".

Sinatra declaraba al conocer la muerte de Tom: "Mis experiencias musicales con Tom fueron tan satisfactorias y creativas como las horas que pasamos conversando y meditando por las noches. El mundo ha perdido uno de su musicos de mayor talento y yo, un amigo maravilloso."

El saxo barítono Gerry Mulligan, declaraba a su vez. "La música que escribió para los poemas de Vinicius de Moraes eran como joyas, una especie de perfección."

El compositor Chico Buarque, gran amigo y colaborador de Jobim al cual llamó "meu maestro soberano", sumido en una profunda tristeza y consternación tras la muerte de Jobim, manifestaba: "todo lo que hice, fué para él; todas las canciones que hago, son para él"

Incluso el fallecido actor Peter Sellers llegó a declarar: "Me gustaría que mi arte tuviera algo de la pintura de Renoir y de la música de Antonio Carlos Jobim."

También el mundo del Jazz rendía su homenaje a la muerte de Jobim y los conciertos y álbumes dedicados a la memoria del maestro se sucedieron y siguen sucediéndose en la actualidad. De este modo, músicos como Herbie Hancock, Pat Metheny, Joe Henderson, Shirley Horne, Lee Ritenour o John Pattituci por citar a algunos de ellos, han querido reconocer la deuda artística que mantienen con la música de Jobim, de la que han bebido y en la que se han inspirado durante sus carreras.

El legado de Jobim consiste en cientos de canciones y composiciones orquestales que han marcado hitos únicos en la historia de la música. Composiciones como la Garota de Ipanema, Samba de uma nota só, Desafinado, Aguas de Março o Corcovado son mundialmente conocidas.

Jobim enriqueció inmensamente las cualidades melódicas y armónicas de la música de su pais y exportó toda esa riqueza  a todo el mundo y  fundalmente al Jazz americano.

El legado de Jobim es un mensaje de amor, de armonía con la naturaleza; es un mensaje de apasionado amor a la vida y de inconmensurable belleza.




<a href="http://www.youtube.com/v/xp5J3SEzj8I&amp;sns=em" target="_blank">http://www.youtube.com/v/xp5J3SEzj8I&amp;sns=em</a>




Fuente: http://www.musinetwork.com/noticias/2011/12/26/carlos-jobim-legado




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« + Respuesta + #3 en: Enero 17, 2012, 08:42:29 pm »




Emilio Estefan, Jr., nacido el 4 de marzo de 1953 en Santiago de Cuba, de ascendencia libanesa, es un músico y productor radicado en Estados Unidos.

Desde muy pequeño mostró su gran afición por la música aprendiendo de oído a tocar el acordeón, y más tarde formó un pequeño grupo en Cuba. Siempre tuvo el sueño de estar en la primera fila de los premios Grammy, por lo que decidió salir de la isla y radicar varios años en España.

Tras dejar su Cuba natal con su padre y vivir por cierto tiempo en España, en 1968 se mudaron a Miami, Estados Unidos, donde al principio hubo de compartir un apartamento con quince miembros de su familia y se ganaba la vida haciendo encargos a sus vecinos utilizando un carro usado. Estefan luego comenzó a trabajar en concursos de belleza locales y en Bacardí, donde fue contratado para el departamento de correspondencia. Después fue promovido al departamento de marketing para Latinoamérica.

En Miami formó el grupo The Miami Latin Boys, a mediados de la década de los 70 elevó su popularidad y comenzó a tocar en fiestas privadas.  Fue así como conoció a una tímida joven, Gloria, de 17 años, quien interpretó algunos temas para Estefan. Tres meses después el grupo de Emilio fue contratado para tocar en una boda, Gloria asistió obligada por su madre y empujada por Estefan, cantó algunos temas.   La interpretación de Gloria impresionó a los invitados y cautivó a Emilio, quien desde ese momento no la dejó de frecuentar, incluso después le propuso unirse al grupo, junto con su prima Merci Navarro.

En 1976, Emilio y su grupo Miami Latin Boys firmaron con una disquera local para grabar su disco "Renacer", pero la misma compañía cambió el nombre del grupo, ya  que para ese tiempo no sólo había chicos, de esta manera, surge Miami Sound Machine.   El 12 de febrero de 1978, Estefan, de 25 años, quien ya contaba con una promisoria carrera dentro de la música, le propuso matrimonio a Gloria, de 21 años, y el 2 de septiembre de ese año contrajeron nupcias.   En 1984 decidieron grabar uno en inglés titulado "Eyes of inocense", el cual no tuvo gran éxito en Estados Unidos, pero sí en Europa con el tema "Dr. Beat".   Al año siguiente, realizaron una canción en inglés con sonido latino, sin imaginar el éxito que tendría esta propuesta, aunque la disquera no estaba muy convencida, pues argumentó que la canción "Conga" era muy latina para los estadunidenses, pero tuvo un impacto increíble en el público en general. El éxito del grupo vino tras haber firmado Emilio un contrato de exclusividad con la CBS.

En 1987 Emilio convenció a Gloria de ponerse al frente del grupo y salió el álbum "Let it loose", el cual tuvo un gran recibimiento, y dos años más tarde lanzaron "Cuts both ways", con el que Miami Sound Machine realizó otra gira, pero ya como un grupo reconocido a nivel mundial.   El 20 de marzo de 1990, después de visitar al presidente de Estados Unidos, George Bush, el grupo de Gloria y Emilio Estefan sufrió un accidente al impactarse con un camión en las carreteras nevadas de Pensilvania.   En el incidente, Emilio se lastimó las costillas y Gloria resultó con heridas graves en la columna vertebral.   Tras superar sus problemas de salud, la cantante regresó a los escenarios musicales, mientras que Estefan brilló con luz propia al crear su estudio de grabación Crescent Moon.

En 1997, Estefan se dedicó aún más a la producción de otros artistas, incrementando el éxito de figuras como Thalía, Shakira, Charlie Zaa, Ricky Martin y Alejandro Fernández, por lo que un mayor número de artistas comenzó a buscar al productor, quien se acercaba más al sueño de obtener un Grammy.

En el año 2002, Estefan comenzó a producir los Grammy Latinos, evento anual televisado.

El 24 de agosto de 2005, Estefan y el rapero P. Diddy anunciaron la creación de un nuevo sello discográfico: Bad Boy Latino para ayudar a cantantes latinos de rap. Más tarde, en noviembre del mismo año, se anunció que Emilio sería el productor exclusivo de la cantante y actriz Jennifer Lopez en su álbum en español Como Ama Una Mujer. Fue lanzado el 27 de marzo de 2007

Entre los múltiples premios y honores que ha recibido se encuentran varios grados "Honoris Causa" de universidades estadunidenses y un reconocimiento especial otorgado por el gobierno de Estados Unidos y ha sido ganador de 14 Grammys.   En 2005 Emilio recibió su estrella en el Paseo de la Fama en Hollywood, la cual se sumó a la que ya tenía en Miami desde 1997.


En entrevista afirma:

¿Cuál es la contribución de la comunidad latina?

"Habría que estar ciego para no ver la huella que hemos dejado en Estados Unidos y el mundo entero. En todas las áreas, los latinos se han destacado de igual forma. Llegamos a los Estados Unidos siendo una paqueña minoría y hoy se nos ve bien, se nos respeta y se nos toma en consideración. Ser latino está de moda y creo que seguirá siendo así por mucho tiempo"



Emilio Estefan y sus libros

En 2010  Estefan escribió el libro: 'Ritmo al éxito: Cómo un inmigrante hizo su sueño americano' (Celebra). En el cual cuenta su historia personal, que comienza en Cuba, sigue en España y aterriza en Estados Unidos. En Miami, el joven Estefan se aferró siempre a una idea fija: ayudar a su familia en todo y crear música, su pasión.

Cuenta en el libro que durante el día trabajaba en Bacardí, y las noches estaban reservadas a la música. Su primera presentación fue tocando el acordeón en un restaurante italiano de Biscayne Boulevard. Años después, el maestro Quincy Jones diría: "Es el Embajador de la música latina en Estados Unidos". Es un testimonio real de cómo un joven cubano sorteó las barreras y llegó a convertirse en una persona exitosa. Hay muchas anécdotas, buenas y otras no tantas. Por ejemplo, de cómo Emilio conoció a una tímida cantante llamada Gloria Fajardo; de sus primeras reuniones en Sony Music y los intentos de tocar la puerta de una industria musical pesimista, que no creía que la música latina podría encontrar una audiencia masiva en Estados Unidos y el mundo. Nunca bajó los brazos cuando le dijeron 'no'.

En 2011, trabaja en conjunto con HCP/ Aboard Publishing y el Miami Herald Media Company  en el libro 'The Exile Experience', donde se documenta la historia de la comunidad cubana exiliada en Estados Unidos y los logros de ésta a lo largo de cuatro décadas.

El libro, publicado en inglés y español, recoge historias personales de los cubanos que arribaron a Norteamérica y está ilustrado con imágenes de hechos y circunstancias memorables como la Operación Pedro Pan, los llamados Vuelos de la Libertad y el Mariel.



Fuente: http://www.musinetwork.com/noticias/2012/01/04/musicos-latinos-que-han-abierto-puertas-emilio-estefan/




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